El mes de septiembre arranca con fuerza en la agenda expositiva europea con muestras que abordan dialécticas sociales acuciantes que ponen en primer término el género, el cuidado o la naturaleza
Cuestiones como el género, la raza, el cuidado o la naturaleza siguen siendo temas urgentes para los museos europeos enfocados en el arte contemporáneo. Lo vemos en algunas de las propuestas expositivas que este próximo mes de septiembre plantean los museos y centros de arte. Entre ellas, el equipo de SFF, ha seleccionado cuatro recorridos monográficos y dos muestras colectivas. Así, sobresalen nombres propios como el de Carolee Schneemann (Estados Unidos, 1936-209), artista pionera e icono feminista. Además, encontramos las muestras de creadores más contemporáneos como Nari Ward (Jamaica, 1963) y Rivane Neuenschwander (Brasil, 1967) que abordan en sus trabajos algunos de los problemas más apremiantes de nuestro tiempo. En la misma línea Korakrit Arunanondchai (Bangkok, 1986), el más joven del grupo, utiliza ciertas polaridades para examinar problemas sociales o políticos. Por su parte, las exposiciones colectivas indagan en temas tan actuales como el cuidado o la identidad sexual.
Bajo títulos tan ilustrativos como Queerness in Photography y YOYI! Care, Repair, Heal Berlín acogerá dos de las exposiciones colectivas más interesantes desde el marco teórico. Por un lado, Queerness in Photography examina la representación de la identidad, el género y la sexualidad en la fotografía en el espacio expositivo C/O Berlín. Por otro lado, YOYI! Care, Repair, Heal agrupa 26 artistas en el Gropius Bau para tratar distintas perspectivas sobre el cuidado, la reparación y la curación. En cuanto a las exposiciones monográficas, la primera en arrancar será la retrospectiva de Carolee Schneeman que podrá verse en la galería de arte de la Barbican. Del mismo modo, la Fundación Nicola Trussardi expondrá la obra de Nari Ward en el Centro Balneare Romano en la ciudad de Milán. Asimismo, el Moderna de Estocolmo presentará el trabajo de artista originario de Bangkok Korakrit Arunanondchai, mientras que el Museo Serralves mostrará el trabajo de Rivane Neuenschwander.
Denuncias sociales
Los distintos ángulos de estas exposiciones confluyen en la denuncia de injusticias sociales y ambientales en las que tienen cabida experiencias polifónicas globales. Estas experiencias diseñan un mapa que nos lleva desde Oporto a Milán para luego pasar por Londres y Estocolmo. En Oporto el Museo Serralves proyecta la exposición de la artista Rivane Neuenschwander en torno a Eu sou uma arara (Soy una guacamaya). Esta película creada por la artista en colaboración con la cineasta Mariana Lacerda propone una reflexión crítica sobre el impacto de la deforestación en la Amazonía para los pueblos indígenas en un momento de tensión política y social. Esta obra es también el resultado de un largo período de investigaciones y una serie de acciones en São Paulo. En estas acciones decenas de figuras inspiradas en la fauna y flora brasileña desfilaron por las calles de la ciudad como un denso y poderoso bosque.
Desde otra perspectiva, Nari Ward en Gilded Darkness reunirá en Milán obras creadas específicamente para la muestra junto con algunos de sus trabajos más célebres. El artista jamaicano es conocido por sus esculturas de materiales reciclados que han transformado el lenguaje de la escultura contemporánea. En esta ocasión mostrará, al amparo de la Fundación Nicola Trussardi, muchos de los temas que sustentan sus investigaciones. De este modo, se expondrán piezas que abordarán temas como el diálogo entre culturas o el arte como espacio de encuentro. Asimismo, se prestará especial atención a la reflexión sobre la función de los monumentos en un momento marcado por la revisión continua de la historia y las repetidas crisis que definen estos últimos años.
El cuerpo físico y espiritual
Icono feminista y referente para muchos artistas y pensadores contemporáneos, Carolee Schneeman dejó patente a lo largo de su trayectoria que para ella lo personal era político. Su propio cuerpo le sirvió de vehículo a través del que desafiar políticas restrictivas. Abordó cuestiones tan necesarias como la expresión sexual, la cosificación de la mujer, el sufrimiento humano o la violencia de la guerra. A su vez, se interesó por la precaria experiencia vivida por humanos y animales. En sus escritos de la década de 1970 reflexionó sobre los méritos de encontrar términos neutrales en lugar de sexistas. Todo ello, la sitúa como uno de los artistas más relevantes, provocadores e inspiradores del siglo pasado. La exposición que el Barbican desplegará en su Art Gallery será la primera muestra importante de Schneemann desde su muerte en 2019. Un recorrido imprescindible que atiende a aspectos esenciales muy presentes en los últimos años.
Por el contrario, la carrera artística de Korakrit Arunanondchai acaba de despegar atrayendo, durante los últimos años, la atención internacional. Lo ha conseguido por su combinación distintiva de medios y técnicas, así como por su práctica colaborativa. Este artista que reside entre su ciudad natal (Bangkok) y Nueva York recurre a las polaridades y la fluidez de categorías tales como nacionalidad, idioma, género y generación para analizar distintas realidades. Entre las dualidades que encontramos en sus discursos distinguimos conceptos como vida y muerte, pasado y presente, sueño y realidad o individualismo e interconexión. De esta manera, mediante la combinación de documental, cine, instalación, performance, pintura y escritura crea escenarios a gran escala en los que interviene el sonido, la luz y la oscuridad. El proyecto From dying to living creado para el Moderna explora el umbral entre el mundo de la forma y el reino de lo informe.
De las políticas identitarias a las del cuidado
Para finalizar este recorrido que identifica algunos aspectos de urgente debate que llegan a los centros museísticos europeos recalamos en dos exposiciones colectivas. Por un lado YOYI! Care, Repair, Heal plantea temas como las políticas de salud, la resiliencia de los sistemas de conocimiento indígena, el uso justo de la tierra, la decolonialidad o los derechos de los no humanos. En conjunto se percibe una serie de relevantes temas en auge, marcados por la aceleración de la emergencia climática y las pandemias globales. Asimismo, las inestabilidades políticas y el ascenso de regímenes autoritarios y populistas también marca la agenda actual. Este itinerario que propone el Gropius Bau invita a unirse en celebración y luto. Los artistas invitados encarnan diferentes estrategias para desafiar, reinventar, expandir, perpetuar y negar las nociones de cuidado, reparación y curación.
Por otra parte, Queernes in Photography, comisariada por Tilda Swinton en el C/O Berlín, revisa la representación de la identidad, el género y la sexualidad en la fotografía. Y apunta al acto de fotografiar como una forma para encontrar la propia identidad. Al mismo tiempo, participa de los modos contemporáneas de expresar la fluidez de género que en la actualidad se ha multiplicado. Lo hace poniendo sobre la mesa la cuestión de si los géneros socialmente construidos tienen interés hoy. Desde la invención de la fotografía en 1839 esta ha sido no sólo una forma de representar a la gente, sino un medio a través del que posicionarse social y políticamente. Ha servido de instrumento para diseñar roles de género que a su vez se convirtieron en un medio de estigmatización y discriminación. Los tres recorridos paralelos que engloba Queernes in Photography muestran como la fotografía también puede ser un acto de liberación y autoempoderamiento.
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