La búsqueda del bienestar en un mundo post-pandémico 

El Mori Art Museum aborda las distintas cuestiones y maneras de vivir que han surgido tras la pandemia, a través de una exposición que reúne la obra de 16 artistas de distintas nacionalidades

Desde hace un par de años nuestra realidad se ha visto golpeada por una pandemia sin precedentes. El SARS-CoV-2, un virus que se expandió rápidamente, ha sido el culpable de la alteración de nuestras rutinas diarias, cambiando nuestra manera de concebir y ver la vida. De este modo, han surgido múltiples expresiones artísticas desde las que se ha intentado testimoniar este nuevo mundo post-pandémico. Hecho que constata el Mori Art Museum de Tokio en la exposición Listen To The Sound Of The Earth Turning: Our Wellbeing Since the Pandemic. En esta, se exploran las distintas maneras de vivir en pandemia. Además, también ahonda en la naturaleza del bienestar desde diversas perspectivas. Así, en esta búsqueda del significado de vivir bien se tratan temas relacionados con la vida y la existencia. Por consiguiente, la naturaleza, el individuo, la sociedad, la vida cotidiana y la muerte están en primer plano.

La muestra se revuelve alrededor del concepto de bienestar, e impulsando al público a reflexionar sobre lo que esto significa para sí mismos. Esto se consigue enfatizando un tipo de experiencia que solo se alcanza mediante el espacio real y físico del museo. Mediante esta experiencia, la audiencia es capaz de agudizar sus propios sentidos y comprometerse con el arte, explorando los materiales de primera mano. A través de alrededor de 140 obras compuestas por 16 artistas de distintas nacionalidades, se incluyen distintas disciplinas y materiales artísticos. Así, la exposición aborda cuestiones sobre la vida humana a un nivel esencial e invita a expandir la conciencia para intentar concebir el concepto del cosmos. Todo esto, al mismo tiempo que promueve la imaginación para incentivar posibles futuras respuestas.

La COVID como punto de inflexión en un mundo post-pandémico

La exposición se articula alrededor de ciertas preguntas, que sirven para enmarcar las obras de los artistas. En la primera parte se cuestiona cómo vivir en tiempos de pandemia. Asimismo, aborda lo que podría haber hecho el arte o el ser humano cuando el mundo se paralizó, interpelando al espectador directamente. Un ejemplo de esto es la obra de Yoko Ono, Grapefruit. En este aparecen una serie de indicaciones, a modo de libro de instrucciones, que amplía el mundo mediante la imaginación. Otro ejemplo es la performance de Guido van der Werve. Este artista se recorrió miles de veces su casa hasta llegar a los 100 kilómetros de trayecto. Con esto, evidencia el gran esfuerzo que supone la constante repetición de acciones cotidianas. Además, se descubren también las obras de Wolfgang Laib, que reflejan la esencia de la vida de la forma más sencilla, y las pinturas de Ellen Altfest.

En la segunda parte se plantea la concepción de la sociedad desde la perspectiva individual y la imagen que de esta se percibió. Con la llegada del COVID-19, quedaron en evidencia ciertos conflictos latentes, en cuanto a raza, nación y religión se refiere. De esta manera, los ciudadanos se vieron obligados a centrarse en los entornos más cercanos de la comunidad y la familia. Sobre esto, tres artistas plantean distintas perspectivas que demuestran la importancia de observar y reevaluar nuestras vidas y entornos. El creador Iiyama Yuki aborda el tema de la violencia doméstica en una instalación que alienta a la reflexión. Por otra parte Meiro Koizumi emplea el hipnotismo para dilucidar la fragilidad del conocimiento humano, con dependencia del lenguaje, para así poder recuperarse del trauma. Por último la obra de Zoe Leonard muestra el potencial de salvación de lo cotidiano y el poder de las comunidades unidas.

La vida y el cosmos como fuentes de inspiración

En la tercera parte sobre este mundo post-pandémico se plantea la posibilidad de la vida misma como arte en esencia. Esto explica los impulsos de muchos autores por expresarse y crear. Por ejemplo, el creador Sadaharu Horio consideraba la expresión artística como el aire que respiramos, una parte natural de la vida. Junto a su mujer, la también artista Akiko Horio, hicieron de su vida cotidiana una rutina que conducía a la expresión artística. En adición, se expone el trabajo de Robert Coutelas y las esculturas abstractas de Kanasaki Masashi, con superpsosiciones de fragmentos de revistas y folletos. Con todas estas obras, rebosantes de impulso creativo y vinculadas al significado fundamental de la vida, se intenta dar una respuesta a lo que esta representa.

Este recorrido finaliza centrándose en la conexión del ego con el universo, y del hoy con la eternidad. A lo largo de la historia el ser humano ha tenido que sobreponerse a los problemas que amenazaban su vida. Gracias al aprendizaje de errores pasados y de la naturaleza hemos superado los obstáculos y nos hemos posicionado en el espacio tiempo. Este planteamiento está presente en las fotografías de Naito Masatoshi y la instalación de Aono Fumiaki. Estas dos obras conectan el pasado lejano con el presente, y la presencia de la naturaleza, el cosmos y los dioses con el viaje del ser humano. Por otro lado, la instalación de Kanazawa Sumi utiliza los acontecimientos cubiertos por los periódicos para crear una gran corriente temporal que recuerda al universo. Concluyen la exposición la instalación de Montien Boonma y la de Tsai Charwei, ahondando en la relación del yo con el cosmos.
 

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