La Bienal del Museo de Arte del Bronx afronta una edición colosal 

Los trabajos de la Beca AIM, bajo el paraguas de la Bienal del Museo de Arte del Bronx, componen la exposición más completa hasta el momento, ya que incorpora a los artistas de las dos últimas ediciones de esta iniciativa que apoya a artistas emergentes

Los 53 artistas que exponen sus trabajos en la bienal de este año del Museo de Arte del Bronx examinan todos los temas contemporáneos. Lo hacen imaginando futuros hipotéticos en base a sus experiencias personales. La razón de que la exposición Bronx Calling: The Sixth AIM Biennial, que da cabida a estas piezas, sea más amplia que nunca es que acoge a los artistas becados durante la edición 2020-2023 y los del periodo 2020-2021. Por este motivo, ha tenido que ser dividida en dos partes que tendrán lugar durante la primera mitad del 2024 en el ala norte del museo ya que el ala sur permanece cerrada por reformas. La primera parte, que incluirá 26 artistas, abrirá el 26 de enero. Por otro lado, la segunda exposición, en la que se podrá ver el trabajo de 27 artistas, tendrá lugar a partir del 12 de abril.

La beca AIM del Museo del Bronx lleva apoyando, desde 1980, a un gran número de artistas emergentes. Esta iniciativa trata de ofrecerles los recursos profesionales de gestión necesarios en el mundo del arte. Como en el resto de las actividades que realiza el museo, esta se desarrolla teniendo presente una de sus señas de identidad, la diversidad cultural. Por lo tanto, no es de extrañar que los integrantes de este grupo tengan ascendencias tan diversas. Así, encontramos creadores de más de 20 países. Son artistas con raíces africanas, asiáticas, latinas, del Medio Oriente, caribeñas, europeas y australianas. Tampoco sorprende que en sus trabajos expongan temas que les involucran. Tal es el caso de la raza, el género, la clase, la orientación sexual, la edad, el origen étnico, la religión y la nacionalidad. Son aspectos que consideran sus identidades culturales y los discursos críticos hacia los sistemas de poder.

La herencia del pasado

Dividida en dos recorridos, debido a su extensión, la primera exposición aborda el patrimonio cultural a través de distintos medios. De esta manera, destaca el impacto del colonialismo en las identidades personales y colectivas. Así, la artista y cineasta neoyorquina Maya Jeffereis fusiona pasado y presente basándose en sus historias ancestrales para producir una pieza audiovisual. En ella recupera fotogramas de las filmaciones en 16 mm realizadas en las plantaciones hawaianas por su abuelo. Igualmente, Luis A. Gutierrez en Lo invisible, una fruta tropical recurre a los archivos de 1928 de la United Fruit Company en Colombia. En ellos destaca la huelga para reclamar mejoras laborales que desembocó en un asesinato masivo por parte del ejército colombiano. Este material le inspira para crear las 72 pinturas que dan forma a su instalación. Por su parte, Kim Dacres crea esculturas utilizando neumáticos y caucho que trenza para representar escenas cotidianas de las comunidades negras.

Por otro lado, la afrodominicana radicada en el Bronx Yelaine Rodríguez fusiona los dos mundos que han dado forma a su identidad, el Caribe y los Estados Unidos, para hablar sobre los estereotipos que afrontó mientras crecía. Sus esculturas a modo de santuario hacen referencia a deidades de la diáspora africana. De este modo, las uñas acrílicas, los abalorios y las conchas de cauri dan lugar a La hija Shango. Este enfoque es compartido por Judy Giera, Santina Amato, E. Lombardo y otros participantes de Bronx Calling. Todos ellos plantean problemas sociales como la identidad de género y los desafíos que enfrentan las mujeres, resaltando las dimensiones emocionales y psicológicas de la feminidad. De tal forma, propuestas como la de Giera revelan sus experiencias. Desde su identidad sexual cisgénero la artista utiliza el humor para tratar la misoginia que viven las mujeres transgénero en los Estados Unidos.

Las complejidades humanas

En esta segunda parte de Bronx Calling los artistas presentados amplían los temas críticos que inspiraron la primera muestra. Las obras que podrán verse en este recorrido por el arte más contemporáneo crean obras y mundos que encaran las complejidades de la condición humana. Sus planteamientos se fijan en nuestra inseparabilidad de la naturaleza y en los dictados de nuestras identidades y normas culturales. Lo vemos en trabajos como el del artista multidisciplinar Jonathan Sánchez Noa. Los grandes paisajes abstractos que crea utilizando hojas de tabaco cubano examinan las conexiones entre la naturaleza y el cuerpo. A su vez, interroga como las historias de extracción colonial han impactado en las nociones de raza, identidad y clima. También hace uso de materiales naturales, como fibras y tintes, Sagarika Sundaram. Con ellos crea esculturas e instalaciones que rastrean la interconexión de la humanidad y el medio ambiente.

Por otra parte, las provocativas y eclécticas esculturas de Daniel Giordano reflejan su herencia italoamericana y las realidades posindustriales de Newburgh, su ciudad natal. Asimismo, desde la escultura Nicki Cherry profundiza en las tensiones que surgen al querer controlar manifestaciones naturales como las emociones. Más concretamente hace referencia a enfermedades mentales como la ansiedad. Si bien Sara Friedland aborda tensiones similares lo hace desde un ángulo más físico, alentando a los espectadores a encontrar la belleza en las acciones ordinarias como pasear a un perro. Mientras, la sexualidad dentro de un mundo patriarcal es el punto del que parte la obra Mokyoktang (Casa de baños) de la artista textil Woomin Kim. Este trabajo está centrado en la dicotomía entre las esferas públicas y privadas tan diferente en sociedades como la estadounidense y la coreana.
 

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